Attention aux taches !

 
 


Lorsque les peintres qu’on allait réunir sous la bannière de l’impressionnisme mettent au point leur style, ils cherchent, avant tout, à traduire les différentes qualités de la lumière et de ses transformations. Travaillant en grande partie en plein air, ils privilégient la rapidité d’exécution. Cela les amène à recourir à des touches vives, des touches de pinceau qu'ils refusent de lisser par le méticuleux travail de finition que préconisent les canons de l’académisme. 
La comparaison entre le kiosque au bord de l'eau de Jean-Léon Gérôme et un sujet identique, l'île de la Grenouillère, peint à la même époque par Auguste Renoir, est éloquente.

Académisme : Jean-Léon Jérôme, "Harem au kiosque", vers 1870.

Impressionnisme : Auguste Renoir, "La Grenouillère", 1869.

 
La touche impressionniste
 
Avec le style impressionniste, les contours précis s'estompent, les formes se dissolvent, les volumes s’aplatissent. La surface picturale devient une marqueterie de taches de couleur juxtaposées.
 
 Claude Monet, "La rue Montorgueil", détail, 1878.
 
Vincent Van Gogh, "Semeur au soleil couchant", 1888.
 
Justifiée par la volonté de restituer les chatoiements de la lumière, cette technique de représentation met en place un dispositif rarement affirmé à ce point par la peinture occidentale : la vibration attentionnelle. 

La comparaison entre le tableau "pointilliste" de Georges Seurat, Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte, et  sa dernière étude préparatoire nous permet de mieux comprendre comment fonctionne cet effet pictural et comment la "touche impressionniste" capte et retient l'attention des regardeurs. 
 
Georges Seurat, "Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte", 1884-86.
 
Dans le tableau terminé, l’exécution extrêmement maitrisée, composée de minuscules points obéissant à un principe quasi-scientifique de décomposition de la couleur, produit une image appliquée, où la restitution soigneuse des volumes transforme les personnages en figurines figées et le paysage en décor de théâtre.
Cela ne tient pas à la composition du tableau ni à son aspect hiératique car, lorsqu’on découvre l’étude préparatoire, on s’aperçoit que, soudain, l'image se met à vibrer et à prendre vie. 

Georges Seurat, étude finale pour "Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte", 1884-85.
 
Une vie qui est entièrement due aux touches alertes qui brouillent les volumes, pulvérisent formes et contours dans un pétillement de couleurs et qui, à la différence de l'œuvre définitive, produisent une surface suffisamment riche en effets attentionnels pour nous mettre en éveil...
 
 
La vibration attentionnelle
 
Le premier de ces effets réside dans la trace du pinceau qui trahit le geste rapide du peintre et, sans que nous en soyons clairement conscients, met en alerte notre sens de la motricité, nous faisant bouger intérieurement comme le ferait une musique au rythme syncopé. 
C'est ce que, presque un siècle plus tard, la peintre américaine Joan Mitchell, représentante de l'action painting, mettra en évidence de manière spectaculaire, en amplifiant démesurément la touche impressionniste dans ses immenses diptyques.
 
Joan Mitchell, "Sans titre", 1979.
 
L'autre effet est celui produit par la juxtaposition de petites zones de couleur, qu'elles portent la trace d'un geste ou non. Le dédale optique ainsi créé ralentit la lecture et diffère la compréhension de l'image. De cette manière, il maintient l'incertitude cognitive, ce qui favorise l'installation du mode de vigilance singulier porteur de l'expérience esthétique. 
 
Il s'agit là d'une caractéristique de l'attention, celle qui nous amène à trouver bien plus agréable et stimulante la contemplation des infinies nuances de la végétation d'un parc, plutôt que la vue d'une surface uniforme comme peut l'être celle d'un mur aveugle. 
 
Gustav Klimt, "Le parc", 1909-10.



L'utilisation de cet effet pour éveiller l'attention n'est propre ni à la peinture impressionniste ni à certains courants de l'art moderne occidental. Toutes les cultures ont compris le parti qu'elles pouvaient tirer de ce puissant dispositif attentionnel. On le retrouve à l'œuvre dans l'extraordinaire richesse visuelle des environnements qu'elles ont produit en multipliant à l'infini les motifs ornant objets, textiles et édifices. 
Motifs qui, outre la valeur symbolique dont ils peuvent être chargés, offrent aux regardeurs à la fois stimulation et apaisement de l'esprit.
 
Village de la communauté Megwal, Gujarat, Inde.

Intérieur de yourte kirghiz.
   


Salon au Palais d'hiver, Saint Petersbourg.

Kilims et tapis turcs au grand bazar, Istanbul.

Tente bibliothèque à Tichitt, Mauritanie. Photo T. et G. Baldizzone.

Intérieur de maison soninké, Mauritanie. Photo J.-P. Bourdier et Trinh T. Minh-ha.
 
 
Dédales visuels
 
La série des Cathédrales de Claude Monet illustre la manière dont l'effet attentionnel produit par la vibration optique des surfaces peut se manifester au travers de supports très différents. 
De même que le peintre a trouvé dans la complexité visuelle des jardins et des paysages matière à transcrire les frémissements de  la lumière, il a reconnu la présence de ce même effet sur la façade richement ouvragée de la cathédrale de Rouen, et nous l'a fait partager dans ses toiles.
 
L'une des "Cathédrale" de Claude Monet et son "motif".
 
Mais celui qui nous offre une parfaite synthèse des manifestations possibles de la vibration attentionnelle est sans nul doute Édouard Vuillard, peintre post-impressionniste rattaché au courant Nabi. 

Édouard Vuillard, "Au jardin", 1894-95.

En réduisant drastiquement le contraste, la profondeur et la gamme de ses couleurs, en fondant audacieusement végétaux, sols, parois, personnages et vêtements dans un seul et même plan pictural, il a su créer un hallucinant dédale visuel que l'œil doit parcourir longuement avant d'extirper la signification de l'image. 

Édouard Vuillard, "Le prétendant", 1893.
 
Comme l'avait noté Aldous Huxley lors de son expérience avec la mescaline, cette marqueterie possède une redoutable efficacité pour nous faire franchir "les portes de la perception". Et nous amener vers celles de l’expérience esthétique.
 
Édouard Vuillard, "Le corsage rayé", 1895.

Posts les plus consultés de ce blog

Explorer L’Astronome

Image
Lorsque nous nous retrouvons face à une image, L’Astronome de Vermeer par exemple, nous n’enregistrons pas instantanément la lumière qu’elle réfléchit comme le ferait un appareil photo. Pour nous, il ne s’agit pas d’une simple conversion de données physiques. Nous reconstruisons progressivement l’image grâce à un complexe ensemble d’opérations s’effectuant à l’intérieur de notre cerveau.   Johannes Vermeer, "L'Astronome", vers 1668. En effet, la rétine n’enregistre pas les informations lumineuses de manière uniforme comme le ferait un film argentique ou un capteur numérique. Seule une petite partie centrale, la zone fovéale, nous permet d’avoir une vision précise des formes et des couleurs.   Les zones de la rétine (d'après Wikimedia Commons).    Le reste, la zone périphérique, ne capte qu’une image imprécise et dépourvue d’informations chromatiques. Par contre, cette vision périphérique globale se met en place très rapidement, bien avant que l’image complète n’accèd
>>>

L'effet des images

Image
  Les œuvres d’art, le plus souvent, n’arrivent pas seules. Elles sont nimbées d’une aura. Leur réputation, ou celle de leur auteur, nous prépare à les accueillir favorablement. Quand au cadre dans lequel on les découvre (musée, galerie ou livre d’art), il renforce cet effet. Parfois, même, leur auteur s’adresse directement à nous au travers du message explicite que porte son travail. Il s’agit-là d’ effets intentionnels .  Ces effets nous parlent, attirent notre attention et nous placent dans les conditions appropriées pour être réceptif aux œuvres, pour tourner vers elles ce qu’on peut appeler un regard esthétique.   Norman Rockwell, « Le connaisseur » , 1961.   *    Mais ce n'est pas toujours le cas. Lorsqu'on découvre sur internet la photographie d’Elger Esser intitulée « Metz, France », elle ne dispose de rien de tout cela. Elle se présente parmi des centaines d’autres, ne porte aucun message évident et le nom de s on auteur n’est réputé que dans le cercle restrei
>>>

À quoi ressemble l'expérience esthétique ?

Image
Lorsqu'on apprécie une œuvre d’art, nous vivons une expérience esthétique. Le monde alentour s’estompe, nous oublions notre personne et une impression de quiétude et de bien-être nous envahit. Une impression qui perdure parfois après que nous ayons réintégré l’existence quotidienne. Cette expérience peut être brève et légère au point que nous la remarquons à peine, ou suffisamment intense pour nous marquer profondément.      Camille Corot, "Florence, vue prise des jardins Boboli", 1834 . Cette expérience, extrêmement personnelle et intime, peut se produire de manière imprévue, au détour d’un paysage par exemple, ou être délibérément recherchée en allant visiter une exposition, écouter une musique, voir un spectacle ou lire un texte. Nombre d’auteurs ont tenté de la décrire de l’intérieur, à commencer par Stendhal qui narre, dans son Voyage en Italie , "le battement de cœur" qui le fait défaillir sur la place Santa Croce à Florence, après avoir contemplé tant d&#
>>>

En attendant l'inspiration

Image
Le Penseur , la célèbre sculpture de Rodin, s’intitulait à l’origine Le Poète . Elle était destinée à s’intégrer au tympan de La Porte de l’Enfer et représentait Dante en quête de l'inspiration.   Auguste Rodin, Le Penseur , 1880. On peut rapprocher cette douloureuse rumination post-romantique d'une autre image qui, de manière plus légère, illustre le même type de problème. Il s’agit de la photographie dans laquelle Robert Doisneau a saisi un élève de l'école primaire, les yeux levés au ciel, dans l'attente, pleine d'espoir, du moment où il en descendra la méthode lui permettant de résoudre sa division. Robert Doisneau, L'information scolaire, Paris , 1956. Ce que le poète et l'élève partagent, en fait, c'est la recherche intense des idées. Or, si on s’en tient à ce que nous montrent ces images, il est évident qu’ils ne pourront les trouver ainsi.  En effet, depuis la communication du mathématicien Henri Poincaré à la Société de psychologie de Par
>>>

De la soupe sur les Tournesols

Image
Le vendredi 14 octobre 2022, deux jeunes militantes du mouvement écologiste Just stop oil s’introduisent à la National Gallery de Londres et projettent de la soupe à la tomate sur le tableau de Vincent Van Gogh appartenant à la série des Tournesols . Après s’être encollé les mains sur le mur, elles déclarent : « Qu’est-ce qui a le plus de valeur, l’art ou la vie ? L’art vaut-il plus que la nourriture ? Plus que la justice ? Êtes-vous plus concernés par la protection d’une peinture ou par celle de notre planète et de ses habitants ? »   L'action de Just Stop Oil à la National Gallery filmée par Rich Felgate.   Un acte Sacrilège    L’action provoque des réactions d'indignation, même de la part de ceux qui approuvent le message environnemental. « Comment peut-on s’en prendre à une œuvre d’art qui constitue la meilleure part de l’humanité ? » Pourtant, l’objectif est atteint. La dénonciation des projets pétroliers et gaziers relancés par le gouvernement britannique fait le to
>>>

Photographier l'incertitude

Image
Qu’est-ce qui nous plait dans une photo ? Qu’est-ce qui retient notre attention ?  S'agit-il de son sujet ? De sa capacité à nous informer, à nous émouvoir ? De ses qualités plastiques ? Un peu de tout cela probablement. Mais ces caractéristiques ne sont pas propres à la photographie. Un dessin, une peinture, un film, une vidéo possèdent également ce potentiel… En quoi consiste, alors, la spécificité du medium photographique ? C’est à cette question que Roland Barthes s’est attaché à répondre dans son essai La chambre claire . Pour lui, ce qui rend unique et captivante une photo, c’est ce qu’il appelle le punctum . Le punctum est un élément qui détonne au milieu de l'image, qui se détache de l'impression d'ensemble et l'arrache à l'ennui d'un document platement informatif. Cela peut être un objet incongru, l'attitude décalée d'un personnage, la complexité inattendue d'une situation...    Koen Wessing, "Nicaragua", 1979.   Roland B
>>>

Jeux de cadres

Image
    Ce qui fait la différence entre une image purement descriptive et ce que nous appelons une œuvre d’art, c’est la qualité d’attention que nous lui attribuons. En effet, l’attention peut être plus ou moins intense, mais aussi se manifester sous différentes formes, ou plutôt selon différents modes. Le restaurateur qui examine un tableau pour estimer quel type d’opération est nécessaire fait appel à une attention focalisée, un mode d'attention qui lui permet d'analyser les endroits où il doit intervenir et de contrôler précisément ses interventions.     Restaurateur © Romoe Conservators Network. Au contraire, l’amateur qui contemple une œuvre dans un musée en attend une satisfaction particulière : l’expérience esthétique. Cette expérience correspond à une forme d’attention "retardée" qui explore les différents aspects de l’œuvre, et convoque les multiples références, souvenirs et associations qu’elle peut évoquer, avant de "décider" si l’investissement dan
>>>

Trois nuances de blanc

Image
  Dîners des Vilains Bonshommes. Cercle des poètes zutiques. Club des Hydropathes. Fumistes. Hirsutes. Incohérents… À Paris, dans les années 1870-1880, se développe une galaxie de "mouvements artistiques" plus ou moins éphémères qui placent l’humour et l’irrévérence au centre de leur activité.  Composés principalement d’écrivains et de dessinateurs, leurs auteurs revendiquent "les méthodes d’exécution les plus imprévues pour faire enfanter des œuvres follement hybrides à la peinture et à la sculpture ahuries". Et déclarent "œuvre d’art incohérent" tout dessin d’une personne ne sachant pas dessiner. Cette liberté par rapport aux conventions artistiques leur permet d’extraordinaires intuitions qui anticipent nombre des inventions attribuées aux avant-gardes du vingtième siècle : collages surréalistes, théâtre de l’absurde, installations, happenings, musique silencieuse, peintures monochromes. C’est ainsi qu’en 1883, à la suite de son ami Paul Bilhaud qui
>>>

Cinq fruits et légumes par jour

Image
    Dans un livre intitulé Art et thérapie , l’essayiste Alain de Botton et l’historien de l’art John Armstrong proposent de modifier la manière d’accrocher les œuvres dans les musées. Au lieu de les ranger par dates et par écoles, il serait plus profitable, disent-ils, de les rassembler en fonction des grandes interrogations concernant la condition humaine. Cela permettrait d'expliquer aux regardeurs comment ces œuvres peuvent les aider à vivre mieux.    Fra Fillippo Lippi, " Annonciation", détail, 1443-50.   Et de proposer, à titre d'exemple, le cartel d’une Annonciation de Fra Fillippo Lippi : « Cette peinture est un visiteur d'un autre monde où les vertus de tendresse, de révérence et de modestie sont très valorisées. Prenez cela comme un argument pour vous protéger de l’agressivité. Utilisez-le pour trouver des éléments de quiétude en vous-même. »   Quelques années plus tard, dans un livre intitulé Et si l’art pouvait changer votre vie , Susie Hodge expl
>>>